Jess Franco (1930 - 2013)
Fue un placer.
CINE
Pablo Berger's Blancanieves
Lo mejor que he visto en muuuucho tiempo. Mudo me quedé después de verla.
Lina Romay 1954 - 2012
Besos, guapa.
Sabrina en Sidecar
Hoy, jueves 20 de enero de 2011, superestreno del corto Sabrina, de Sergio Colmenar. Con suculentos extras audiovisuales y dos conciertos en vivo. En Sidecar, en una esquinita de la Plaça Reial de Barcelona. A partir de las 21:00 horas.
El americano
El pasado viernes, 17 de septiembre de 2010, publiqué un textito informativo sobre El americano en el suplemento Metrópoli del diario El Mundo. También hablé de Anton Corbijn como fotógrafo y artista polifacético.
La película me interesó mucho. Es aburrida y bonita. Retro. Paneuropea. Está filmada en la Italia profunda. Las mujeres son elegantes, carnales y enamoradizas. George Clooney sale guapo, guapísimo, con sus patillas blancas. El poster también mola. Martin Booth, el autor de la novela original, fue biógrafo del satanista Aleister Crowley.
The Runaways
El pasado viernes, 10 de septiembre de 2010, publiqué un textito informativo sobre The Runaways, en el suplemento Metrópoli del diario El Mundo. Empezaba así:
"Los fotografías y los videoclips de Floria Sigismondi son reconocibles a primera vista. A esta artista canadiense de 43 años siempre le ha gustado el erotismo rockanrolero pasado de rosca y el romanticismo afectado más decadente. Clips como The Beautiful People, de Marilyn Manson, o Hurt, de Christina Aguilera, definen bien su estilo. The Runaways, su debut como directora de cine, conserva parte de esta energía neogótica y siniestra, aunque irradie una luz y una paleta de colores genuinamente setenteras."
Luego hablaba del argumento y las actrices y no sé qué más. Lo de siempre. A mí, la película me gustó. Las chicas salen monísimas: Kristen Stewart es un clon de Joan Jett, y Dakota Fanning transforma a Cherie Currie en un icono erótico postmoderno. Michael Shannon, el tío que hace de Kim Fowley, el mánager caradura, es la bomba. Está superbien filmada y encuadrada. Se respira puro glam en una docena de secuencias. Y suenan, bien fuerte, Rebel, Rebel, de Bowie, y Ch-ch-ch-cherry Bomb, de The Runaways.
Karate Kid
Textito informativo publicado ayer, viernes 27 de agosto de 2010, en el suplemento Metrópoli del diario El Mundo. Curiosa puesta al día. Mejor de lo que parece.
El Karate Kid original, dirigido por John G. Avildsen y protagonizado por Ralph Macchio y Pat Morita, se estrenó en 1984, convirtiéndose enseguida en uno de los títulos más populares y taquilleros de la temporada. Con el tiempo, llegó incluso a adquirir estatus de película de culto generacional, junto a otros conocidos films de iniciación adolescente de la década de los ochenta, como Los Goonies, Cuenta conmigo o Dirty Dancing.
La versión de 2010, también titulada Karate Kid, ha sido producida por el mismo productor, Jerry Weintraub, y retoma punto por punto la base argumental del film primigenio, modificando algunos detalles ambientales y de caracterización de personajes. En esta ocasión, el jovencísimo protagonista de la historia es afroamericano y sólo tiene doce años de edad. Dre Parker, que así se llama el chico, está interpretado por Jaden Smith, hijo de los actores Will Smith y Jada Pinkett Smith (que también ejercen de coproductores).
A Jaden ya habíamos tenido oportunidad de verlo en En busca de la felicidad, el film con el que su padre logró su segunda candidatura al Oscar, y en el remake de Ultimátum a la Tierra, junto a Keanu Reeves. En Karate Kid, se luce combinando sus evidentes dotes dramáticas para provocar el llanto y la sonrisa, directamente heredadas de su papi, con una sorprendente flexibilidad gimnástica que le permite emular a las grandes estrellas del cine de artes marciales.
En los primeros minutos de Karate Kid, vemos a Dre despedirse de sus familiares y amigos en Detroit. Él y su madre, Sherry Parker (Taraji P. Henson, nominada al Oscar por El curioso caso de Benjamin Button), se mudan a Beijing por motivos de trabajo. En la capital china, Dre sufre el acoso de unos matones de su edad que tratan de boicotear su recién nacida amistad con Meiying (Wenwen Han), una preciosa colegiala violinista.
Por fortuna para Dre, un viejo conserje con pasado traumático, el Sr. Han (Jackie Chan, el mítico protagonista de El mono borracho en el ojo del tigre), le enseña los fundamentos del kung fu. Al final, el chico participa en un torneo de artes marciales y logra superar todos sus miedos.
Esta nueva versión de Karate Kid, dirigida por Harald Zwart (Pink Panther 2), se rodó enteramente en China, en zonas populares de Beijing. Las secuencias visualmente más llamativas se filmaron a las puertas y en el interior de la Ciudad Prohibida, en la Muralla China y en las montañas de Wudang. El momentazo romántico tiene lugar entre las bambalinas de un pequeño teatro de marionetas, durante la celebración del festival Qi Xi (la versión china del Día de los Enamorados).
Jaden Smith, que rodó la película con sólo once años, tuvo como instructor de kung fu al maestro de wushu Wu Gang. Ambos entrenaron tres meses en Los Angeles, antes de comenzar el rodaje, y cuatro meses más en China, durante la filmación. Wu Gang ha sido el coreógrafo principal de todas las escenas de acción de las últimas películas de Jackie Chan. De hecho, forma parte del equipo de especialistas creado por el propio Chan hace un par de décadas.
Entre las secuencias de acción más destacadas de este moderno Karate Kid figura la pelea entre el Sr. Han y los matones que martirizan a Dre, que se resuelve sin que el viejo maestro tenga que dar ni un sólo golpe.
The Secret of Kells
Textito publicado en el suplemento Metrópoli del diario El Mundo, el viernes 20 de agosto de 2010. Floja, flojita.
El Oscar 2010 al Mejor Largometraje Animado se lo llevó Up. Entre los títulos nominados en esta misma categoría figuraba, también, The Secret of Kells, coproducido por empresas de Irlanda, Francia y Bélgica. Up y la mayor parte de los taquillazos animados de los últimos años son filmes enteramente concebidos y fabricados con imágenes tridimensionales generadas por ordenador. The Secret of Kells, en cambio, apuesta por las técnicas tradicionales de los dibujos animados en dos dimensiones, combinándolas con una rica imaginería medieval y una estética más propia de los cuentos infantiles. En uno y otro caso, los resultados en pantalla resultan sorprendentes.
Basado en hechos históricos de raigambre legendaria, el guión de The Secret of Kells recrea acontecimientos ambientados en la Gran Bretaña del siglo IX, después del imperio romano y antes de las invasiones vikingas. En la Abadía de Kells, un grupo de monjes y campesinos construyen una muralla alrededor del recinto para tratar de contener el inminente ataque de los bárbaros del norte. La obra de ingeniería está dirigida por el Abate Cellach (voz de Brendan Gleeson, en la versión original), un tipo estricto y poco dado a frivolidades.
En Kells vive Brendan, un niño huérfano, simpático y lleno de energía, que ha sido criado por los monjes bajo la estrecha supervisión de su tío, el Abate Cellach. Brendan está fascinado por el trabajo de los monjes iluminados, que se dedican a transcribir e ilustrar los libros sagrados en un obsesivo afán por perpetuar la cultura del pasado.
Un día, un monje iluminado llamado Aidan de Iona se refugia en Kells en compañía de su gato Pangur Bán. Trae bajo el brazo un libro maravilloso al que aún le faltan por ilustrar algunas páginas. Brendan y Aidan colaboran en la ardua tarea de finalizar esta obra de arte, elaborando sus propios colores con frutos del bosque. El chico cuenta con la ayuda de Aisling, una especie de hada forestal con aspecto de niña y superpoderes extraordinarios.
The Secret of Kells está codirigida por Tomm Moore y Nora Twomey, cofundadores de los estudios de animación Cartoon Saloon. Todo el diseño de la película se inspira en el arte céltico antiguo. El auténtico Libro de Kells, que contiene los Cuatro Evangelios bíblicos, se conserva hoy en la Biblioteca del Trinity College, en Dublín.
Killers
Textitos informativos sobre Killers. Se han publicado hoy, viernes 13 de agosto de 2010, en el suplemento Metrópoli del diario El Mundo. Qué poca gracia tiene la película.
Imaginen a una especie de joven James Bond llevando a cabo una misión peligrosa en plena Costa Azul francesa. Spencer Ames, que así se llama este agente secreto con licencia para matar, es un tío guapo que conduce un Ferrari a todo trapo por las carreteras adyacentes a Niza. Después de colocar un artefacto explosivo en el helicóptero de un traficante de armas, Spencer se entretiene ligando con Jen Kornfeldt, una preciosa norteamericana patosa y rubia que se encuentra en la zona disfrutando de unas improvisadas vacaciones en compañía de sus padres.
Spencer y Jen se enamoran y pasa lo que tiene que pasar. Tres años más tarde, ya están casados y disfrutando de su vida en común en un idílico barrio periférico norteamericano. Él ha colgado las armas y se encarga de un negocio inmobiliario. Ella no tiene ni idea de a qué se dedicaba su marido antes de que se conociesen. Todo parece ir bien hasta que Spencer recibe un mensaje instándole a retomar su antigua profesión. De pronto, los vecinos se convierten en asesinos a sueldo y los muebles empiezan a saltar por los aires.
Esta es la premisa argumental de Killers, la comedia romántica de acción vertiginosa protagonizada por Ashton Kutcher (Colega, ¿dónde está mi coche?) y Katherine Heigl (serie Anatomía de Grey) que se estrena esta semana en nuestros cines. “Es una historia sobre dos personas que están enamoradas y una de ellas oculta un secreto –explica Kutcher, que también es coproductor de la película—. A la mayoría de las parejas que conozco les pasa algo parecido. Siempre existe una parte del pasado de uno que su pareja sentimental desconoce. En el caso de Spencer, esa cara oculta es su profesión de asesino a sueldo del gobierno”.
Rodeados de enemigos que tratan de llenarles el cuerpo de balas, Spencer (Kutcher) y Jen (Heigl) ponen a prueba sus sentimientos. Las típicas discusiones de pareja cobran un nuevo significado en medio de espectaculares escenas de acción. “Esa es la principal originalidad del film –señala el director, Robert Luketic (Una rubia muy legal)–. Los protagonistas están a punto de morir varias veces, pero lo único que en realidad les preocupa es qué va a pasar con su relación en el futuro. ¿Serán capaces de seguir igual de enamorados? ¿Podrán formar una familia?”
Los dos personajes secundarios más importantes en la trama de Killers son los del señor y la señora Kornfeldt, los progenitores de Jen. Tom Selleck (serie Magnum) encarna al sobreprotector y ultraperfeccionista Sr. Kornfeldt, un padrazo inquietante en la línea del que interpreta Robert De Niro en la saga de Los padres de ella. Catherine O’Hara (Solo en casa) es la madre despistada, que pasa de todo y bebe más de la cuenta. Otro personaje secundario destacable es el del mejor amigo de Spencer, Henry (Rob Riggle), un simpático sinvergüenza con doble fondo.
El guión de Killers está firmado por Bob DeRosa (The Air I Breathe) y Ted Griffin (Ocean’s Eleven). “Al principio, la película iba a tener un tono muy James Bond con toques de comedia –confiesa DeRosa–, pero, poco a poco, nos dimos cuenta de que el conflicto doméstico entre Spencer y Jen tenía mucha más gracia. Enseguida nos pusimos a trabajar en esa dirección, cuidando los diálogos de la pareja e imaginando situaciones surrealistas”.
Tanto el actor protagonista, Ashton Kutcher, como el director, Robert Luketic, comparten el mismo entusiasmo por Killers, que les ha permitido dar un giro a sus respectivas carreras. “Estaba deseando hacer un papel como éste –asegura Kutcher–. Sin alejarme demasiado del terreno de la comedia, he podido disfrutar interpretando escenas de acción, tiroteos, peleas. Ha sido una experiencia revitalizante”.
Christopher Ashton Kutcher nació el 7 de febrero de 1978, en Cedar Rapids, Iowa. Ahora tiene 32 años. Mide un metro noventa. / Tiene un hermano gemelo, Michael, y una hermana mayor, Tausha. En el instituto, practicaba lucha libre (lo dejó por culpa de una lesión). / Fue descubierto por un cazatalentos mientras estudiaba ingeniería bioquímica en la Universidad de Iowa. Abandonó los estudios para dedicarse al modeleo. / Saltó a la fama gracias a la teleserie Aquellos maravillosos 70, de la cadena norteamericana NBC. De 1998 a 2006, protagonizó 184 episodios a lo largo de 7 temporadas consecutivas, encarnando al adolescente descerebrado, pero guaperas, Michael Kelso./ En 2003, con su amigo y socio Jason Goldberg, creó la productora Katalyst. El primer éxito de la empresa fue Punk’d, un programa televisivo de la MTV, con cámara oculta, en el que se gastan bromas a famosos. / Ha sido nominado varias veces a los Premios Razzie (los anti-Oscar de Hollywood). En 2004, fue nominado al Peor Actor del Año por su trabajo en Cheaper By the Dozen y My Boss’s Daughter, y a la Peor Pareja del Año (junto a Brittany Murphy) por Recién casados. En 2009, repitió candidatura a la Peor Pareja del Año (junto a Cameron Diaz) por Algo pasa en Las Vegas. / Tres papeles de cine que se le han escapado: el de Josh Harnett en Pearl Harbor (2001), el de Orlando Bloom en Elizabethtown (2005) y el de Christian Bale en Batman Begins (2005). / La película más popular de su filmografía es una comedia para adolescentes: Colega ¿dónde está mi coche? (2000). / Fue novio de la actriz Brittany Murphy (recientemente fallecida en extrañas circunstancias). / El 24 de septiembre de 2005, contrajo matrimonio con Demi Moore, 16 años mayor que él, convirtiéndose en el padrastro de los tres hijos que tuvo su esposa con su anterior marido, Bruce Willis. / Ashton es dueño de un restaurante en Los Angeles llamado Dolce. / Es uno de los usuarios de Twitter más populares. En 2009, batió el record del millón de ’tweets’, superando a la mismísima CNN. / Este mismo año, Demi y Ashton han creado The Demi and Ashton Foundation, una fundación que se dedica a recaudar fondos para luchar contra la esclavitud sexual infantil en todo el mundo. / En febrero 2010, formó parte de una delegacion político-cultureta apadrinada por el Presidente Obama y viajó a Rusia para dar conferencias sobre el abuso sexual infantil. / Una de sus frases: “Probablemente, nunca lograré ser el mejor actor de Hollywood, pero espero llegar a ser el más trabajador”
Katherine Marie Heigl nació el 24 de noviembre de 1978, en Washington DC, en el distrito de Columbia, pero creció y se educó en New Canaan, en el estado de Connecticut. Este año cumplirá los 32. Mide un metro setentaicinco. De origen irlandés y alemán. / Es la más joven de cinco hermanos: Holt, John, Meg y Jason (este último fallecido a consecuencia de un accidente). Tocaba el cello en el instituto. / Una tía suya le hizo fotos con 9 años y las distribuyó por agencias en Nueva York. Uno de sus primeros trabajos publicitarios fue un spot televisivo de cereales para el desayuno Cheerios. Ha sido modelo de las agencias Wilhelmina y Elite. / Se ha hecho mundialmente famosa gracias al papel de la Dra. Isobel ’Izzie’ Stevens que interpreta en la teleserie Anatomía de Grey. De 2005 a 2010, ha protagonizado más de 120 episodios. / Debutó en el cine en That Night (1992), protagonizada por Juliette Lewis y C. Thomas Howell. Su primer papel protagonista lo interpretó junto a Gerard Depardieu en Mi padre, ¡qué ligue! (1994). / Ha ganado el Emmy a la Mejor Actriz de Reparto por su papel de Anatomía de Grey en 2007. Tambien ha sido nominada a la Mejor Actriz de Reparto por esta misma serie en los Globos de Oro de 2007 y 2008. / En 1998, estuvo a punto de encarnar a la protagonista de la teleserie Felicity, pero el papel acabó en manos de Keri Russell. Tampoco tuvo suerte en 2001 con la teleserie Alias (en esta ocasión, el papel de protagonista fue para Jennifer Garner). / En los últimos años, se ha especializado en comedias románticas con ramalazo sexista, tipo Un lío embarazoso (2007), 27 vestidos de novia (2008) o La cruda realidad (2009). / Ha salido con los actores Joseph Lawrence y Jason Behr. / Está casada con el músico Josh Kelley desde 23 de diciembre de 2007. Ambos son padres de una niña coreana adoptada. / Su único vicio es el de fumar. / Una frase: “Todavía hay gente que me dice que estaba realmente sexy en Mi padre, ¡qué ligue! ¡Por Dios! ¡Si tenía 14 años cuando hice la película!”
EFECTOS PERSONALES Doble ración de Ashton Kutcher esta semana en las pantallas de estreno españolas. En Efectos personales, dirigida por David Hollander según un relato de Rick Moody, el maridito de Demi Moore interpreta a Walter, un joven deportista de 24 años que está a punto de conseguir un puesto en el equipo nacional de lucha libre. Traumatizado por el asesinato de su hermana, regresa a su pueblo natal para consolar a su madre, Gloria (Kathy Bates). Allí conoce a Linda (Michelle Pfeiffer), una atractiva viuda madre un hijo sordomudo.
The Girlfriend Experience
Hoy, viernes 6 de agosto, publico estos textitos informativos en el suplemento Metrópoli del diario El Mundo. La película es más interesante de lo que parece. Y está maravillosamente bien grabada.
La anterior película de Steven Soderbergh, El soplón (The informant), protagonizada por Matt Damon, costó 21 millones de dólares. La que ahora aterriza en nuestras pantallas, The Girlfriend Experience, rodada inmediatamente después y protagonizada por una actriz porno, apenas si ha alcanzado el millón y medio de dólares de presupuesto.
Al director de sexo, mentiras y cintas de vídeo, Traffic y Erin Brockovich, entre otros títulos memorables de las últimas dos décadas, siempre le ha gustado simultanear los proyectos, digamos, de serie A, con los de serie B o incluso Z. Es un realizador imprevisible, que lo mismo graba en vídeo que en celuloide, con grandes estrellas o con auténticos desconocidos, adaptando historias comerciales o apostando a cara descubierta por el arte y ensayo.
Filmada en poco más de dos semanas, en localizaciones situadas en Las Vegas y Nueva York, The Girlfriend Experience combina la exquisitez formal con el contenido abrupto. Su protagonista, Christine Brown (interpretada por la starlette de cine X ’gonzo’ Sasha Grey), más conocida por sus clientes como Chelsea, se dedica al oficio más antiguo del mundo, la prostitución, pero en su gama más alta y refinada. Es una genuina ’scort girl’, de las de a 10.000 dólares la noche.
Soderbergh, a partir de un guión escrito por sus colaboradores Brian Koppelman y David Levien, se dedica a seguirle la pista a su musa durante 77 minutos. En todo este tiempo, vemos a Chelsea interactuando con hombres de distinta edad y condición en restaurantes, habitaciones de hotel y otros lugares de cita y encuentro. Todos ellos son profesionales con sueldazo y muchas, muchas preocupaciones financieras. También sale un novio que trabaja como monitor en un gimnasio, un sinvergüenza que se dedica a escribir sobre ’scort girls’ a cambio de favores sexuales y una amiga de confianza.
Más que de sexo, de lo que se habla, y a fondo, en The Girlfriend Experience es de transacciones, de dinero, de intercambio de valores. La acción está ambientada en los días previos a las últimas elecciones presidenciales estadounidenses. Se respira ambiente de crisis, de cambio, de incertidumbre. Soderbergh encuadra y monta sus imágenes con un estilo que no deja indiferente, empaquetando el veneno del mensaje con un precioso envoltorio audivisual. Sasha Grey, la protagonista, actúa con pasmosa naturalidad: resulta creíble de principio a fin.
¿QUIEN ES SASHA GREY? Sasha Grey lleva cinco años marcando tendencia en la escena X. Ahora mismo, es una de las figuras más mediáticas e influyentes del porno ’made in USA’. Y eso, a pesar de que su físico no se ajusta en absoluto a los cánones del género. Bajita, cabezona y con los pechos pequeños, se ha especializado en escenas de sexo extremo, brutales. Puro ’gonzo’ (subgénero porno contado en primera persona y sexualmente hiperrealista). Por otra parte, concede estupendas entrevistas manejando referencias culturales muy variadas: de Burroughs a Anaïs Nin, pasando por Godard, Pasolini y Hunter S. Thompson.
El nombre verdadero de Sasha Grey es Marina Ann Hantzis. Nació en North Highlands, un pueblucho de Sacramento, en el estado de California, el 14 de marzo de 1988. Un mes después de cumplir los dieciocho años, se mudó a Los Angeles con la única intención de convertirse en actriz porno. Debutó en The Fashionistas: Safado, en una escena de orgía multitudinaria, pidiéndole a Rocco Siffredi que le diese un puñetazo en el estómago.
Antes de ponerse a las órdenes de Soderbergh, ya había colaborado con los Smashing Pumkins en el videoclip Superchrist. También puede escucharse su voz como artista invitada en canciones de Lee Perry y Current 93. Ella misma, en colaboración con el músico Pablo St. Francis, ha grabado un par de temas de electrónica experimental bajo el nombre artístico de aTelecine. Fotógrafos como Terry Richardson y Richard Kern la han utilizado como modelo. En el cine, ha intervenido también en una de terror, Smash Cut, de Lee Demarbre, y en una indie, Quit, de Dick Rude.
El Equipo A
Textitos informativos publicados, hoy viernes 30 de julio de 2010, en el suplemento Metrópoli del diario El Mundo. La reinterpretación postmoderna de la serie tiene su gracia. Y ver a la bestia parda de Rampage Jackson comportándose como un ser humano, también.
El Equipo A es la adaptación cinematográfica oficial de la popular teleserie homónima de los años ochenta. Joe Carnahan, el director de Narc y Ases Calientes, con la complicidad del guionista Skip Woods (Operación: Swordfish) y el actor metido a escritor Brian Bloom (famoso por haber doblado docenas de videojuegos), ha renovado las premisas dramáticas y estéticas de la serie original con un chispeante sentido del humor y un genuino espíritu volatinero. Las dos horas que dura su película están repletas de explosiones y situaciones inverosímiles. El mayor atractivo del film, sin embargo, reside en la química que poseen sus cuatro protagonistas.
Liam Neeson (nominado al Oscar por La lista de Schindler) interpreta al Coronel John ’Hannibal’ Smith, un veterano de guerra que fuma puros y siempre tiene preparado un plan complicadísimo; Bradley Cooper (Resacón en Las Vegas) es el Teniente Templeton ’Fenix’ Peck, un irresistible seductor capaz de vivir a cuerpo de rey en los lugares más inhóspitos; Sharlton Copley (Distrito 9) encarna a Murdock, un loco de atar experto en pilotar aviones y helicópteros, y Quinton ’Rampage’ Jackson (campeón mundial de MMA o Mixed Martial Arts) hace de B.A. Barracus, una maquina de destrucción masiva con patas, además de habilidoso mecánico y seguidor de las doctrinas pacifistas de Gandhi.
La acción de esta versión en cine de El Equipo A, que se rodó en Vancouver durante cuatro meses, transcurre en Oriente Medio, en plena guerra (o postguerra) de Iraq, tras un prólogo ambientado en México.
UNA TELESERIE DE CULTO. El Equipo A fue una de las series de televisión más populares y de mayor éxito de la década de los ochenta. Se emitió en la cadena norteamericana NBC, desde enero de 1983 a junio de 1987. Sus creadores y productores ejecutivos fueron Stephen J. Cannell y Frank Lupo. Estaba protagonizada por cuatro veteranos de Vietnam que, después de ser condenados por un tribunal militar por un delito que no han cometido, pasan a la clandestinidad y se convierten en mercenarios. Liderados por el Coronel John "Hannibal" Smith, siempre con un cigarro en la boca, papel interpretado por George Peppard, el equipo se maneja dentro del lado bueno de la ley mientras hacen todo lo posible por limpiar sus nombres. Mr. T, un luchador profesional de wrestling que saltó a la fama encarnando al boxeador villano de Rocky III, se hizo mundialmente famoso gracias al personaje de B.A. Barracus (conocido en España con el apodo de ’M.A.’): su look básico, integrado por una cresta mohicana y una cadena de oro alrededor del cuello, hizo furor en los barrios bajos.
Te amo... pero yo no
Texto incluido en mi libro Películas clave del cine erótico (Robinbook / Ma Non Troppo, Barcelona, 2009)
Je t’aime moi non plus. Francia. Dir.: Serge Gainsbourg. Producción: Président Films, Renn Productions. Prods.: Jacques-Éric Strauss, Claude Berri. Guión: S. Gainsbourg. Fot.: Willy Kurant (Eastmancolor). Mús.: S. Gainsbourg. Mon.: Kenout Peltier. Duración: 90 minutos. Int.: Jane Birkin (Johnny), Joe Dallesandro (Krassky), Hughes Kester (Padovan), Reinhard Kolledehoff (Boris), Gérard Depardieu (Hombre a caballo), Jimmy Davis (Moïse).
[Serge Gainsbourg sorprendió a los admiradores de su música 'chic' dirigiendo una película transgresora y violenta, en la que el sexo anal se mezclaba con la basura sin reciclar.]
Sinopsis: Krassky y su novio Padovan conducen un camión que transporta basura. Una noche, por puro aburrimiento, Krassky seduce a Johnny, una chica escualida que trabaja de camarera en el bar de un viejo asqueroso. En un motel de carretera, Krassky y Johnny practican sexo anal: es la única forma que tiene él de mantener la erección.
El agujero negro
Siete años después de hacerse mundialmente famoso gracias al himno erótico pop, multimillonario en ventas, Je t’aime moi non plus, interpretado a dúo con su entonces flamante esposa adolescente, la inglesita Jane Birkin, el compositor, cantante, actor y bocazas de salón Serge Gainsbourg debutó como director de cine con esta película de culto más o menos reciente, que fue despreciada en su día tanto por la crítica como por el público. Ambientada en un paraje rural subdesarrollado y semidesértico, toda la opera prima de Gainsbourg gira alrededor de, con perdón, un agujero del culo: el de la andrógina Johnny, interpretada con desarmante temeridad física y psíquica por Jane Birkin. El ano de Johnny es lo único que estimula el deseo sexual de Krassky, el camionero gay al que presta su imponente físico de semental crecido en la calle Joe Dallesandro, icono erótico del mejor cine underground neoyorquino de finales de los sesenta. Los encuentros íntimos entre Johnny y Krassky, frustrantes en su gran mayoría, están filmados con una franqueza poco habitual en este tipo de escenas, sin florituras de ningún tipo, mezclando sudor y lágrimas, sangre y semen, gritos de dolor y silencios demoledores. La omnipresencia de elementos escatológicos a lo largo y ancho del metraje acentúa aún más la importancia simbólica del ano y de lo anal en las vidas de todos los personajes principales y secundarios. Krassky y su novio Padovan adoran la mierda y los desperdicios, se ganan los cuartos trajinando entre montañas de basura. El dueño del bar donde trabaja Johnny sufre de flatulencia crónica. Los tres protagonistas mean delante de la cámara más de una vez. Y en una de las secuencias más sensuales de la película, Johnny se masturba abrazada a una muñeca de trapo rescatada del estercolero. Lo curioso del caso es que, a pesar de tanto fluido corporal y tanta hez acumulada, Gainsbourg logra poner en pie una bonita, desgarradora y trágica historia de amor, que culmina con un intento de asesinato por asfixia directamente provocado por los celos ocasionados por un glorioso orgasmo simultáneo. “Puede que mi marido sea un enfermo”, afirmó en una ocasión Jane Birkin. “Pero la suya es una enfermedad infinitamente más interesante que la salud de los demás”.
Toy Story 3
Textito informativo publicado hoy, viernes 23 de julio de 2010, en el suplemento Metrópoli del diario El Mundo. Este es el Pixar que más me ha preocupado. El Lado Oscuro de la factoría de John Lasseter. No sé si me apetecía conocerlo. Viendo Toy Story 3 me he acordado de los niños que lloraban en el cine por culpa de Babe 2. Menos mal que salen los Guisantitos.
Toy Story 3 aterriza en nuestras pantallas quince años después de que lo hiciera Toy Story, el primer largometraje enteramente generado por ordenador de la historia del cine. En todo este tiempo, la tecnología utilizada para la fabricación de este tipo de películas ha mejorado una barbaridad. Las imágenes de síntesis son, ahora, mucho más nítidas y ricas en detalles que hace década y media. Quizás, por eso, Disney volvió a comercializar el pasado año los dos primeros títulos de la saga en flamantes versiones en 3-D (tres dimensiones), para que el salto cualitativo entre estas entregas y la más reciente, que se estrena esta semana en nuestro país, no fuese tan evidente.
Este tercer capítulo de las aventuras animadas del vaquero Woody y el astronauta Buzz comienza con una espectacular secuencia de accion multigenérica que aprovecha al máximo los trucos visuales de las tres dimensiones. Los juguetes protagonistas de los tres films interpretan, durante unos minutos, diversos papeles de villano o de héroe, enfrentándose unos a otros con todo tipo de armas de risa y palabrería melodramática, pasando del western a la ciencia ficción en un periquete. La secuencia resulta ser una recreación idealizada de la fantasía desbordada del niño Andy, el dueño de Woody, Buzz y demás juguetes.
Tras este prólogo bombardero, que deja sin aliento, los guionistas y animadores de Pixar incluyen una preciosa secuencia encadenada de fotografías y filmaciones en súper-8, en las que vemos al niño creciendo año tras año. La acción propiamente dicha de Toy Story 3 se inicia en la época actual, después de esta catarata de imágenes retro. Andy acaba de cumplir los 17 años y se dispone a abandonar el hogar familiar para iniciar sus estudios universitarios en otro estado. Todos sus ya viejos juguetes están guardados en una caja, inquietos por su inmediato futuro.
Para Woody (doblado por Tom Hanks en la versión original en inglés), Buzz (doblado por Tim Allen en inglés y por Jose Luis Gil en castellano) y sus amigos, el Señor y la Señora Patata (Don Rickles y Estelle Harris), el cerdito hucha Hamm (John Ratzenberger), el dinosaurio verde Rex (Wallace Shawn), la vaquerita Jessie (Joan Cusack) y la muñeca Barbie (Jodi Benson), la situación es crítica: o les arrinconan en el desván de la casa o les trasladan a una guardería del barrio o les tiran a la basura. El azar hace que acaben todos en la guardería. Allí conocen a un montón de nuevos juguetes: el oso de peluche rosa Lotso Abrazitos (Ned Beatty), el novio de Barbie Ken (Michael Keaton, o David Robles en la versión española), el pulpo morado de goma Pulpi (Whoopy Goldberg o Silvia Abril), el Payaso Sonrisitas (Fofito), el Guerrero Mantis (Alex de la Iglesia), el actor Puerco Espín Tirolés (Emilio Gutiérrez Caba) y el robot Sparks (Pablo Motos), entre otros.
Al principio, desde la perspectiva de unos juguetes que han perdido a su dueño, la guardería parece un estupendo lugar para disfrutar de sus últimos años de vida. Pero la cosa cambia de la noche a la mañana con la llegada de los niños más pequeños, cuya principal actividad consiste en golpear, chupetear, morder y pisotear a cuanto objeto se pone al alcance de sus diminutas manos, bocas y pies. Por si fuera poco, el oso de peluche Lotso resulta ser un dictador traumatizado por su pasado, que gobierna la guardería como si fuese una cárcel de alta seguridad con la complicidad de un guardaespaldas monstruoso, el Bebé Gigante, y un vigilante psicópata, el Mono de los Platillos.
Mientras Barbie y Ken se enamoran, el oso Lotso reinicia al pobre Buzz y lo transforma en un seductor latino de culebrón (doblado en castellano por el cantaor de flamenco Diego ’El Cigala’), entre otras divertidas peripecias tragicómicas, que incluyen trepidantes persecuciones, flashbacks terroríficos e interludios sentimentales varios.
“Antes de empezar a trabajar en Toy Story 3 —recuerda el director de producción Bob Pauley— visitamos muchas jugueterías y muchas guarderías. También fuimos a Alcatraz para saber lo que se siente en prisión. Y a un incinerador gigante de basura para tomar referencias de cara a la escena cumbre. Es gracioso: los animadores de Ratatouille viajaron a París y comieron en los mejores restaurantes para ambientarse; los de Up hicieron trekking por las montañas de Venezuela; en cambio, nosotros, cuando volvimos, sólo teníamos ganas de darnos una buena ducha”.
El montador de Toy Story y Toy Story 2, Lee Unkrich, se ha encargado de la dirección de la película. El guión lleva la firma de Michael Arndt (Oscar por Pequeña Miss Sunshine) y está inspirado en un argumento imaginado por John Lasseter (director de las dos primeras entregas y presidente de Pixar), Andrew Stanton (director de Wall-e) y el propio Unkrich. La música vuelve a estar compuesta por Randy Newman.
“En este Toy Story también hay una Love Story —explica la productora Darla K. Anderson—. La de Ken y Barbie. La idea de introducir a Ken enriqueció el guión de una forma notable, muy cómica. Ken es un muñeco de niña, un accesorio para Barbie, y todo eso le crea al personaje muchas inseguridades. Ken es un esclavo de la moda y en cada escena luce un modelito diferente. Además, está loco por Barbie. Lo suyo es el típico caso de amor a primera vista”.
10 cosillas que quizás no sepas sobre Toy Story
Textito de apoyo publicado en el suplemento Metrópoli del diario El Mundo, hoy, viernes 23 de julio de 2010.
En el guión original del primer Toy Story, Barbie tenía un papel importante. Además de enamorar a Woody, era ella la que rescataba a los protagonistas en la persecución final. Mattel se negó a dar el permiso para que su muñeca interviniese en el film porque pensaba que sería un fracaso de taquilla.
Tom Hanks aceptó interpretar el papel de Woody porque, de niño, él también pensaba que sus juguetes tenían una vida propia. John Lasseter le convenció mostrándole una prueba de animación con Woody hablando con la voz de Hanks en el film Socios y sabuesos.
Billy Crystal declinó la oferta que le hizo Pixar para doblar a Buzz Lightyear en el primer Toy Story. Después de ver la película, el actor afirmó que ese había sido “el mayor error” de su carrera. Se consoló doblando a Mike en Monstruos, S.A.
En los tres Toy Story aparece la letra y los números A113 en matrículas de coches, paneles de aeropuerto y otros lugares visibles. Es un guiño de los creadores de Pixar a la sala A113 de la Universidad de CalArts donde muchos de ellos estudiaron animación.
Uno de los títulos previstos para la primera entrega de Toy Story fue You Are a Toy (literalmente, ’Eres un juguete’). Woody y Buzz se inspiran en dos juguetes que tuvo John Lasseter siendo un niño: un fantasma Casper movido por hilos y un modelo antiguo de G.I. Joe.
John Lasseter es un fan de las películas japonesas de los estudios Ghibli, y de las películas del realizador Hayao Miyazaki en particular. En Toy Story 3, aparece el personaje más famoso de Ghibli y Miyazaki: el peluchoso Totoro, protagonista de Mi vecino Totoro.
El niño Andy se llama así en homenaje a Andries ’Andy’ Van Dam, un prestigioso profesor de la Universidad de Brown que impartió clases de animación por ordenador a los principales fundadores de Pixar, incluido John Lasseter.
En los créditos finales de las tres entregas de Toy Story aparecen los nombres y las fechas de nacimiento de todos los hijos de los trabajadores de Pixar nacidos durante la realización de cada una de las películas.
En Toy Story 3, cuando el Señor Patata se desliza por el teclado de un piano de juguete, la música que suena procede del ballet Petrushka, compuesto por Igor Stravinsky. Se trata de un ballet protagonizado por una muñeca articulada que cobra vida.
Toy Story 3 recaudó 109 millones de dólares en taquilla en su primer fin de semana de exhibición en los Estados Unidos. Es el mejor debut de una película de Pixar de todos los tiempos. El primer Toy Story costó 30 millones de dólares y recaudó 355 millones en todo el mundo.
Pixar en corto
Este textito de apoyo lo escribí para que se publicase, hoy, viernes 23 de julio de 2010, en el suplemento Metrópoli del diario El Mundo. Al final, ha sido sustituido por otro apoyo similar (también escrito por mí). Es un repaso a los cortos que se han estrenado en cine acompañando a los largos de Pixar.
Day & Night
Director: Teddy Newton.
Año: 2010.
Complemento de: Toy Story 3 (2010).
Dos humanoides transparentes, que representan a la Noche y al Día, compiten por saber cuál es el personaje más molón. Al final, descubren que juntos disfrutan más de los placeres de la vida.
Partly Cloudy
Director: Peter Sohn.
Año: 2009.
Complemento de: Up (2009).
Las cigüeñas se encargan de traer bebés a la Tierra. Los niños los recogen en la estratosfera. Allí, los 'nubareños' fabrican bebés con trozos de nube.
Presto
Director: Doug Sweetland.
Año: 2008.
Complemento de: Wall-e (2008).
Un mago trata de practicar trucos de magia con el conejo que sale de su chistera. El hambre del conejo y el despiste del mago provocan todo tipo de desastres. Nominado al Oscar.
Lifted
Director: Gary Rydstrom.
Año: 2006.
Complemento de: Ratatouille (2007).
Un pequeño extraterrestre se somete a un examen de abducción humana. El alienígena resulta ser el peor alumno de la galaxia. Nominado al Oscar.
One Man Band
Directores: Andrew Jiménez y Mark Andrews.
Año: 2005.
Complemento de: Cars (2006).
Dos hombres-orquesta compiten por la atención (y la moneda de oro) de un pequeño lugareño. Nominado al Oscar.
Boundin'
Directores: Bud Luckey y Roger Gould.
Año: 2003.
Complemento de: Los Increíbles (2004).
Una oveja saltarina alegra a todos los habitantes de la región con sus bailes enloquecidos. Después de ser esquilada, nada vuelve a ser lo mismo. Nominado al Oscar.
For the Birds
Director: Raph Eggleston.
Año: 2000.
Complemento de: Monstruos, S.A. (2001).
Un pajaraco bobo trata de hacerse amigo de una bandada de pajaritos antipáticos posados en un cable de la luz. Oscar al Mejor Corto Animado.
Geri's Game
Director: Jan Pinkava.
Año: 1997.
Complemento de: Bichos (1998).
Un vejete juega al ajedrez consigo mismo, cambiándose de silla y de lado de la mesa cada vez que mueve ficha. El juego acaba en bronca. Oscar al Mejor Corto Animado.
Knick Knack
Director: John Lasseter.
Año: 1989.
Complemento de: Buscando a Nemo (2003).
Un muñeco de nieve trata de escapar de la bola de cristal en la que está encerrado para trasladarse a un cenicero decorado como si fuese un paraíso tropical en el que vive una chica guapa en biquini.
Luxo Jr.
Director: John Lasseter.
Año: 1986.
Complemento de: Toy Story 2 (1999).
Primer corto de Pixar. Los protagonistas son dos lámparas de escritorio: una grande y una pequeña, padre (o madre) e hijo. La lámpara pequeña acabó siendo la imagen de marca de Pixar.
foto: la muñequita linda de Knick Knack, antes y después de sufrir una extraña operación de pechos. en los cines, se estrenó la versión 'plana'.
Shrek, felices para siempre
Textito informativo publicado hoy, viernes 9 de julio de 2010, en el suplemento Metrópoli del diario El Mundo. Qué mediocre, por cierto.
Las aventuras cinematográficas del ogro verde más famoso de la historia del cine llegan a su conclusión con Shrek, felices para siempre, cuarta película de la exitosa saga animada de la productora DreamWorks. La principal novedad de esta entrega, además de su condición de capítulo definitivo, es el hecho de haber sido concebida, desde el primer boceto, como un superespectáculo familiar en tres dimensiones. Esta vez, gracias a la tecnología digital en 3-D más avanzada del mercado, los fans de Shrek y sus amigotes de cuento tendrán la sensación, con sólo extender los brazos, de poder tocar a sus ídolos con la punta de los dedos.
Otro detalle que diferencia a esta secuela de sus inmediatas predecesoras es el andamiaje argumental, algo menos chistoso y descerebrado de lo habitual. Para empezar, la premisa que pone en marcha toda la trama de Shrek, felices para siempre es la crisis de los cuarenta que sufre el atribulado protagonista. El ogro cascarrabias y solitario del primer film se ha convertido en un esposo responsable y un paciente padrazo. Se pasa el día cambiándoles los pañales a sus tres ogretes, firmando autógrafos a los turistas que visitan el país de Muy Muy Lejos, y agasajando a sus amigos más íntimos, el Asno y el Gato con Botas, con cenas en las que impepinablemente se acaban contando las mismas anécdotas. Un soberano aburrimiento, oiga. Nadie le había advertido a Shrek que aquello de “y vivieron felices para siempre jamás” significaba, en realidad, que su vida se transformaría en pura rutina.
El bajonazo existencial de Shrek le sirve al malo de la función para entrar en escena y coger las riendas de la historia. Pequeño pero matón, Rumpelstiltskin es una especie de enano saltarín o gnomo cabezón experto en hacer tratos con truco. Después de emborrachar al ogro siguiéndole la corriente, consigue que éste le firme un contrato de intercambio con mucha letra pequeña. El trato consiste en que Shrek le cede a Rumpel un día de su vida a cambio de volver a sentirse un ogro gruñón durante 24 horas seguidas.
Al principio, la magia del gnomo liante parece funcionar a la perfección. Shrek despierta en una realidad alternativa donde nadie le conoce y todos le temen. Ajeno a lo que se le viene encima, el ogro se lo pasa bomba asustando al personal con sus gruñidos y gestos amenazantes. Sin embargo, muy pronto descubrirá que su trato con Rumpel ha tenido terribles consecuencias.
“El concepto de la realidad alternativa nos permitió recuperar la esencia de los personajes originales —afirman los guionistas de Shrek, felices para siempre, Josh Klausner (guionista de Noche loca) y Darren Lemke (uno de los guionistas de la teleserie Perdidos)—. De alguna manera, fue como volver a empezar desde cero. Nos imaginamos cómo sería el país de Muy Muy Lejano si Shrek y Fiona nunca se hubiesen conocido. Y el resultado, como minimo, es sorprendente”.
En esta realidad alternativa del país de Muy Muy Lejano, Rumpelstiltskin ejerce de monarca absoluto y absolutista, al estilo de Louis XIV en la corte de Versalles, pero con un puntito de cutre presentador de concurso televisivo añadido. Vive en un palacio rococó reconvertido en discoteca, rodeado de brujas con escobas voladoras y calabazas explosivas. Su divertimento favorito consiste en dar caza a los ogros, que se han visto obligados a esconderse bajo tierra. Fiona, con el pelo largo y armada hasta los dientes, ejerce de capitana guerrera de la Resistencia Ogril. El Asno trabaja como burro de carga para las brujas de Rumpel. Y el Gato con Botas está tan gordo que apenas si puede moverse de su mullido cojín.
En la versión original en inglés de Shrek, felices para siempre intervienen los mismos actores que participaron en las entregas anteriores. Mike Myers se encarga de doblar a Shrek; Cameron Díaz hace lo propio con Fiona; Eddie Murphy interpreta al Asno, y Antonio Banderas presta su voz al Gato con Botas. El supervisor del argumento y dibujante de story-boards Walt Dohrn dobla al villano Rumpelstiltskin. “Empecé a interpretarlo en las sesiones de ensayo —recuerda Dohrn—. La gente empezó a reirse conmigo y acabé haciendo el papel en la versión definitiva. Fue algo casual, lo mismo que el aspecto que tiene Rumpel en pantalla. Su cara es una caricatura de la del director artístico de la película, Max Boas. La dibujó el otro director artístico, Mike Hernández. Cuando vimos el dibujo, nos entró la risa floja a todos. Para doblarle la voz a Rumpel me he inspirado en el Sean Penn de la película El juego del halcón y en la Bette Davis de ¿Qué fue de Baby Jane?”
Entre los personajes secundarios que aparecen en esta secuela cabe destacar al Flautista de Hamelin, transformado por capricho de los guionistas en una especie de cazarrecompensas profesional; al feroz ganso Fifí que sirve de mascota con dientes de Rumpel, y a media docena de ogros fornidos, como el lugarteniente Brogan o el cocinero Cookie.
El director de esta última entrega de la saga de Shrek es Mike Mitchell, autor de tres comedias protagonizadas por actores de carne y hueso: Gigoló, Sobreviviendo a la Navidad y Sky High: una escuela de altos vuelos. En la banda sonora se incluyen canciones de los Carpenters, Beastie Boys, Stevie Wonder, Light FM y Lionel Ritchie, entre otros.
La huella en los ojos
Este textito aparece en la sección Leer de la revista mensual Fotogramas, en el ejemplar de julio de 2010.
La huella en los ojos. Un cinéfilo adolescente en el franquismo (Alianza Editorial, 328 págs., 27 euros). Sobredósis de nostalgia cinefila a cargo de Juán Tébar, escritor y periodista, guionista de cine y televisión, profesor universitario y fan fatal de los monstruos clásicos. El excolaborador de Chicho Ibáñez Serrador en Historias para no dormir se despacha a gusto describiendo las miserias de la postguerra franquista, en un tono evocador e meticuloso. Tébar escribe mucho sobre sus películas favoritas de la infancia y adolescencia, galanes y divas, héroes y villanos, marquesinas y carteleras, eslóganes y doblajes míticos. Y mucho, también, sobre aquellas salas de cine de Madrid y A Coruña en las que aprendió a mirar "y mirarse", como el Ideal Cinema, "el palacio de las pipas", donde, un 25 de marzo de 1955, pudo admirarle los muslos a Silvana Mangano en Arroz amargo.
Mujeres de El Cairo
Textito informativo sobre Mujeres de El Cairo publicado hoy viernes 2 de julio de 2010 en el suplemento Metrópoli del diario El Mundo. El cine egipcio comprometido y feminista es tan comercial y previsible como el español.
Yousry Nasrallah nació en El Cairo, en 1952. Estudió Economía y Ciencias Políticas. Durante un tiempo, ejerció la crítica cinematográfica en el diario libanés As-Safir. A principios de los ochenta, trabajó como ayudante de dirección de Youssef Chahine, el realizador egipcio que más veces ha participado en la sección competitiva del Festival de Cannes. Debutó como director en 1988, con el film Sarikat Sayfeya. Desde entonces, ha dirigido otros seis largometrajes, todos escritos por él con la excepción del más reciente, Mujeres de El Cairo, que ahora aterriza en nuestras salas de estreno.
El guión de Mujeres de El Cairo lleva la firma de Wahid Hamid, uno de los guionistas más taquilleros del cine egipcio de las últimas dos décadas. Nasrallah aceptó trasladarlo a la gran pantalla por su alto contenido crítico y la sensibilidad con la que toca problemáticas que afectan a la mujer egipcia contemporánea.
"El cine egipcio de los últimos diez años ha marginado a las mujeres con carácter –afirma Nasrallah–, convirtiéndolas en esposas, madres, hermanas, novias sumisas o meros objetos del deseo masculino. El guión de Hamid invierte los papeles. Aquí, los hombres son objetos de deseo y las mujeres tienen personalidad".
Hebba (Mona Zakki) y Karim (Hassan El Raddad), los protagonistas de Mujeres de El Cairo, están casados y son periodistas de éxito. Ambos son jóvenes, ricos y guapos. Ella es una estrella de la televisión: presenta un programa de debate político que levanta ampollas. Él tiene ambiciones en el mundillo de la política y hace todo lo posible para que su mujer cambie de estilo. Hebba acaba claudicando y se pasa al campo del reportaje social en clave femenina, convirtiéndose en la portavoz de los problemas de las mujeres corrientes de su país.
A través del nuevo programa de Hebba, van enlazándose en la trama central de la película tres historias paralelas, todas protagonizadas por mujeres. Una de estas historias gira en torno a un chico joven sexualmente codiciado por tres hermanas; otra, denuncia la penosa situación de una sexagenaria universitaria y rica que se encuentra internada en un psiquiátrico, y la tercera, destapa un feo asunto de chantaje político con tintes sexuales.
"No es sólo un film sobre la lucha entre mujeres y hombres en el Egipto actual –se defiende Nasrallah–, sino sobre la necesidad que tenemos todos de resistir, de luchar contra la censura, los malos tratos, la presión familiar y social y los engaños políticos. Es necesario resistir y tener el valor de contarlo".
La boda de mi familia
Ahí va mi textito informativo sobre La boda de mi familia, publicado hoy, viernes 2 de julio de 2010, en el suplemento Metrópoli del diario El Mundo. La cartelera de estrenos está repleta de tv-movies similares a esta: ¡una auténtica epidemia!
No es fácil filmar bodas en el cine. El gran especialista en saraos cinematográficos de todo tipo, desde fiestas multitudinarias a caseras, siempre ha sido Blake Edwards: ahí están los ejemplos insuperables de El guateque o el party en el apartamento de Desayuno con diamantes. Otro que se desenvuelve como pez en el agua rodando entre docenas de figurantes achispados es Luis García Berlanga, cuya filmografía se caracteriza precisamente por la gran cantidad de secuencias corales que contiene: ¡Bienvenido, Mister Marshall!, Plácido, ¡Vivan los novios!, etc...
En el apartado de bodas y bautizos, sin embargo, quizás sea Joel Schumacher quien ha demostrado en las últimas décadas estar mejor preparado para captar con la cámara esa atmósfera festiva, cómica y dramática que suelen generar este tipo de eventos. Todos los que recuerden Un toque de infidelidad, con Isabella Rosselini y Ted Danson, lo corroborarán.
También el realizador afroamericano Rick Famuyiwa es un fan fatal de los casorios. Su primer largometraje como director, Colegas (The Wood), describía la institución matrimonial a través de la mirada cómplice de cuatros amigos íntimos. La boda de mi familia, su tercer film, incide en el mismo tema, ampliando el círculo de protagonistas y enfrentando a dos padres de armas tomar.
Forest Whitaker (Oscar por El último rey de Escocia), en un registro humorístico poco habitual en él, encarna a uno de estos tremendos papis, Brad Boyd, un tipo elegante, perfeccionista y neurótico. Su némesis en la trama de La boda de mi familia es el comediante de monólogos, nacido en Honduras, Carlos Mencia, que encarna a Miguel Ramírez, un esposo y padre trabajador, chapado a la antigua y fácilmente irritable.
Los señores Boyd y Ramírez son los progenitores, respectivamente, del novio y la novia que pretenden unirse en matrimonio en esta divertida película, menos disparatada de lo que parece a simple vista. El chico afroamericano se llama Marcus (Lance Gross, Meet the Browns) y acaba de licenciarse en medicina; la chica latina se llama Lucía (America Ferrera, Betty, la fea, versión EEUU) y está a punto de abandonar la carrera de Derecho para poder acompañar a su novio, que desea unirse a un equipo de Médicos Sin Fronteras de Sri Lanka.
En apenas dos semanas, las familias de Marcus y Lucía deben hacerse a la idea de organizar una boda por todo lo alto, dejando de lado prejuicios raciales, sociales y generacionales. Lupe Ontiveros (El Norte) encarna a la matriarca de los Ramírez, Mamá Cecilia, una abuela cascarrabias e intolerante. Regina King (serie 24) es Ángela, una brillante abogada, además de algo más que una simple amiga para el Sr. Boyd. Diana María Riva interpreta a la esposa del Sr. Ramírez, una diseñadora de joyas que está harta de soportar a su marido.
Los trajes de boda han sido diseñados por Monique Lhuiller, modista 'de largo' de celebridades como Britney Spears y Hilary Duff.
Un funeral de muerte
Este textito informativo sobre Un funeral de muerte, escrito por mí, se publicó el pasado viernes 25 de junio de 2010 en el suplemento Metrópoli del diario El Mundo.
Tres años después de triunfar en las taquillas de medio mundo con la misógina comedia de ciencia ficción matrimonial Las mujeres perfectas, Frank Oz, uno de los creadores de los míticos Teleñecos, volvió a acertar en pleno centro de la diana del éxito con Un funeral de muerte, un sainete coral, repleto de humor negro al más puro estilo británico, escrito por el entonces prometedor autor londinense Dean Craig.
La versión de Un funeral de muerte que se estrena ahora en nuestras pantallas es la norteamericana. El guión vuelve a estar firmado por Craig, pero muchas situaciones y personajes del original se han adaptado al tono particular de los actores y actrices que integran el reparto, encabezado por tres cómicos afroamericanos de nuevo cuño: Chris Rock (Creo que quiero a mi mujer), Martin Lawrence (Dos policías rebeldes) y Tracy Morgan (teleserie Rockefeller Plaza).
El chispeante Rock encarna a Aaron, un tipo serio y agobiado, que debe hacerse cargo del funeral de su padre. Lawrence interpreta a Ryan, el hermano menor de Aaron, un escritor famoso a quien todos admiran. Morgan es el mejor amigo de Aaron, un tipo hipocondriaco y metepatas. Al funeral también asisten otros personajes secundarios de peso, como el cascarrabias tío Russell (Danny Glover, Arma letal), la desconsolada viuda (Loretta Devine, teleserie Anatomía de Grey), la explosiva prima Elaine (Zoe Saldaña, Avatar) o el misterioso enano Frank (Peter Dinklage, el único actor repescado del reparto del primer Un funeral de muerte).
El aclamado realizador y dramaturgo Neil LaBute, responsable de films como En compañía de hombres, Amigos y vecinos y Persiguiendo a Betty, se encarga de dirigir la función, incidiendo en los aspectos más desestabilizadores de una trama enrevesada en la que se combinan drogas de diseño, adulterios homosexuales, envidias fraternales y conflictos de raza.
“La versión inglesa de Un funeral de muerte me encantó –afirma el actor protagonista y coproductor del remake Chris Rock–. No paré de reirme viéndola. Pensé que merecía la pena convertir esa historia tan europea y tan chic en una comedia disparatada que pudiese gustar a todo tipo de público, incluyendo a mis hermanos negros. A todo el mundo le ha sucedido algo divertido en un funeral. Cosas ridículas que contrastan con el ambiente triste y solemne, y que te ponen en ridículo a ti y a todos los que te acompañan”.